Artists

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Víctor Hugo Chacón-Ferrey

Guillermo Cuello

Gustavo Fares

An exhibition and publication of the Daura Gallery

Barbara Rothermel, Director

Gustavo Fares, Co-Curator of the Exhibition

Steve Riffee, Assistant to the Director

Lynchburg College

1501 Lakeside Drive . Lynchburg, Virginia 24501-3199

804-544.8343 . Fax 804-544-8277

www.lynchburg.edu/daura/index.htm

This exhibition is made possible through the generous support

of the Virginia Commission for the Arts.

August 1999

All Rights Reserved 

Four Contemporary Argentinean Artists features recent work by Víctor Hugo Chacón-Ferrey, Guillermo Cuello, Gustavo Fares, and Ana Traversa, artists who are highly respected and whose work is exhibited widely in Argentina, Europe and the United States.

The works of these artists reflect the lives and environments found in contemporary Argentina. Contemporary Argentinean art needs to, and in fact does, deal with two sets of issues. On one hand, it reflects the local conditions of the society where it was produced. On the other, it transforms and recycles the information received from centers of economic development, such as the United States, which are not necessarily or always the centers of cultural development.

Argentina is a country that has been fraught with political turmoil during the lifetimes of these artists. In the last three decades, Argentina has passed from a "de facto" military government (1966-72), to a brief democratic interregnum (1973-76), to another military government (1976-83), which imposed strict censorship and conducted what was to be known as the "Guerra Sucia," the Dirty War, of abductions, disappearances, and tortures. In 1983 democratic rule was reestablished, and it has lasted to the present.

These upheavals and misfortunes are portrayed in different ways and with distinct voices in contemporary Argentinean art. According to Fares, a double play between the local and the global, the centers and the margins, between what was and is oppressed and the oppressor, as well as the myriad images, art schools and cultures are manifested in contemporary Argentinean art. Non-native ideas have helped define and shape the image of the country, while the native contexts modify and transculturate them, creating, in the process, new and original cultural expressions.

The Daura Gallery is pleased to present Four Contemporary Argentinean Artists. This exhibition will afford the opportunity to experience and enter the debate of what constitutes modernity and post-modernity, as reflected in the art of Chacón, Cuello, Fares, and Traversa. Through the work of these artists, the repercussions of the changes that have taken place in art in the Twentieth Century will be examined. This further begs us to question contemporary art as we enter a new millenium, both on a global scale and within specific countries and regions.

Barbara Rothermel
Director of the Daura Gallery

Cuatro Artistas Argentinos Contemporáneos presenta la obra reciente de Víctor Hugo Chacón-Ferrey, Guillermo Cuello, Gustavo Fares, y Ana Traversa, artistas muy respetados y cuya obra ha sido ampliamente exhibida en Argentina, Europa, y Estados Unidos.

Los trabajos de estos artistas reflejan las vidas y contextos de la Argentina contemporánea. El arte argentino contemporáneo necesita contextualizarse con respecto a dos grandes temas. Por un lado, refleja las condiciones locales de la sociedad que le ha dado origen y en donde se ha producido. Por otro lado, transforma y recicla la información recibida de los centros de desarrollo económico, como los Estados Unidos, que no son siempre, o necesariamente, los centros de desarrollo cultural.

Argentina es un país que ha pasado por varios períodos de inestabilidad política durante las vidas de estos artistas. En las últimas tres décadas, Argentina pasó de un gobierno militar "de facto" (1966-72), a un breve interregno democratico (1973-76), a otro gobierno militar (1976-83), que impuso una estricta censura y condujo lo que se conoció como una "Guerra Sucia", de desapariciones, secuestros, y toruras. En 1983 se restableció la democracia, que ha durado hasta el presente.

Estos desafortunados conflictos se encuentran representados de diversas maneras y con distintas voces en el arte argentino contemporáneo. De acuerdo a Fares, en este arte se manifiesta un doble juego entre lo local y lo global, los centros y los márgenes, y entre lo que fue y es oprimido y el opresor, así como también se ven diversas imágenes, tendencias artísticas y culturales. Ideas no-nativas han ayudado a definir y a formar la imagen del país, mientras que el contexto autóctono las modifica y transculturaliza creando, en el proceso, expresiones culturales nuevas y originales.

La Daura Gallery se complace en presentar Cuatro Artistas Argentinos Contemporáneos, muestra que proveerá la oportunidad de experimentar y de entrar en el debate acerca de lo que constituye la modernidad y la posmodernidad, tal como aparecen reflejadas en la obra de Chacón, Cuello, Fares y Traversa. A través del rrabajo de estos artistas se examinan las repercusiones que los cambios de estas décadas han tenido en el arte del siglo XX. Esto abrirá interrogantes acerca del arte contemporáneo en este fin del milenio, tanto a escala global, como en países y regiones específicas.

BárbaraRothermel

Directora de la Daura Gallery

Arte Contemporáneo de Latino América: El caso de Argentina

As it is frequently the case the meeting of two worlds, the so called first and the others, produces new and original cultural manifestations that can be fruitfully explored through visual images. Images, or embodied meanings as Arthur Danto calls them, precisely incarnate an element that is formed by, but is not part of, the original cultures, yet it belongs to both/all of them. In the case of Argentina, the incorporation of new and sometimes foreign or imported cultural elements, particularly from Europe and the US, contributes to shaping the country's culture and cultural identity, which becomes problematized as it is rendered "impure." Argentinean art, when related to that of the United States from a postmodern perspective, can provide a better understanding of the ways in which contemporary art becomes transculturalized and, in the process, enriched.

It is possible to consider the categories of the "modern" and the "postmodern" as stylistic manners in the history of art, which have appeared in diverse times and places as the "baroque" or "mannerism" have in the past. It is also possible to think of modernism and postmodernism as decidedly temporal periods, rooted in specific times, and to consider that both, Modernism and its successors signal radically new and different manners of conceiving the world. We can also conjugate both notions and think that postmodernism satirizes and plays with the surfaces of modernism in the same manner as the styles in decadence in general do with their predecessors, for example, Hellenism with the Greek art. But also that, in this end of millennium, the "game" postmodernism plays with the avant-gardes has a certain unique flavor, in the sense that it seems to take place at the end of a process, in as much as the role of art and of the artistic object are concerned. Indeed, so different and unique is the game at hand that some authors have been speaking for some time now of the end of art. It is more accurate, I suppose, to think of a closure rather than of an end, as a way of signaling that we will continue to produce art objects, but in a different fashion than the one we got used to up to the first half of this century. It seems that the almost linear succession of styles, each one newer and more original than its predecessor, as in a discipline reaching a certain and relatively near objective, is now over. In a certain sense art has returned to a pre-modern domain, pregnant with extra-artistic references, the same ones that Modernism and the avant-gardes purged from the art object and the art world in order to concentrate on purely aesthetic concerns.

In this pre-, or post-, modern understanding of the art object and of the discipline, art schools and styles are not expected to be univocous or monolithic. Rather, there is an abundance of different artistic manifestations that take place simultaneously. Moreover, postmodernity questions a unidirectional relationship between center (be it Europe or the United States) and periphery, proposing the existence of exchanges in either and both directions at the same time. Precisely by keeping in mind local phenomena, be them centered or peripheral, postmodernity pays attention to diverse messages, sometimes contradictory, sometimes politically loaded, that divide society and its culture. In this sense, the current art makes visible a series of issues typical of a particular time and place in a sort of "spiritual metabolism." Thus, there is not one posmodernism, but as many as we want/need, with different emphasis and political ends and means, currently taking place in Latin America and in Argentina, and it is our task as critics and as artists to forge the one(s) that would serve us in our enterprise. Contemporary Argentinean artists and their creations incarnate these processes in the works in presented in this exhibit.

Co-Curator of the Exhibition

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Es frecuente el caso de que el encuentro entre dos mundos, el así llamado primero, y el tercero, produzca nuevas y originales manifestaciones culturales que pueden explorarse con provecho a través de imágenes visuales. Imágenes, o "sentidos corporizados" como los llama Arthur Danto, precisamente encarnan un elemento que está formado por, pero no es necesariamente parte de, las culturas originales, aún cuando pertenezca a ellas. En el caso de Argentina, la incorporación de elementos nuevos y a veces extraños, particularmente de Europa y de los EEUU, contribuye a forjar la identidad cultural del país y su cultura, que se enriquecen a la vez que se vuelven "impuras." El arte argentino, cuando se lo examina en relación al americano desde una perspectiva posmoderna, puede contribuir al mejor entendimiento de las maneras cómo el arte contemporáneo se transculturaliza y, en ese proceso, se enriquece.

Es posible considerar las categoría de lo "moderno" y de lo "posmoderno" como voluntades de estilo en la historia del arte, que han aparecido en diversas épocas y lugares, así como el "barroco" o el "manierismo" lo hicieron en el pasado. Es también posible pensar que la modernidad y la posmodernidad son períodos de una época determinada, y considerar que ambos, el Modernismo y sus sucesores, señalan maneras radicalmente nuevas y diferentes de concebir el mundo. Finalmente, ambas nociones pueden conjugarse, y pensar que el posmodernismo satiriza y juega con las superficies del modernismo de manera similar a cómo los estilos decadentes lo hacen con sus predecesores inmediatos, por ejemplo el Helenismo con el arte griego. Pero también se puede considerar que, en este final del milenio, el "juego" que el posmodernismo lleva a cabo con las vanguardias tiene un sabor único, en el sentido que parece estar ocurriendo sobre el fin de un proceso, en cuanto al papel del arte y del objeto artístico se refiere. Es más, tan diferente y único es el juego actual que algunos autores han estado hablando, desde hace ya cierto tiempo, del fin del arte. Creo que sería más acertado pensar en un cerramiento más que en un fin, como una manera de señalar que se seguirán produciendo objetos artísticos, pero de modos diferentes a los que estuvimos habituados hasta la mitad del siglo que corre. Pareciera como si la sucesión lineal de estilos y tendencias, cada uno más "avanzado" y original que el anterior, como si la disciplina estuviera dirigiéndose hacia un objetivo final, cierto y relativamente próximo, se ha acabado. En cierto sentido, el arte ha retornado a un dominio pre-moderno, lleno de referencias extra artísticas, las mismas que el Modernismo y las vanguardias habían querido eliminar del objeto artístico y del arte en sí, para concentrarse en cuestiones puramente estéticas.

En este entendimiento pre-, o post, moderno del objeto artístico y de la disciplina en general, no se espera que las escuelas de arte y los estilos sean únicos ni monolíticos. Más bien, existe una abundancia de manifestaciones artísticas que tienen lugar simultáneamente. Además, la posmodernidad actual cuestiona una relación unidireccional entre el centro, (sea éste Europa o los Estados Unidos) y las periferias, proponiendo la existencia de intercambios en todas las direcciones al mismo tiempo. Precisamente al tener en cuenta los fenómenos locales, sean estos de los centros o de la periferia, la posmodernidad presta atención a los diversos mensajes, a veces contradictorios, a veces con cargas políticas, que dividen a la sociedad y a su cultura. En este sentido, el arte actual hace visible una serie de temas típicos de un lugar y tiempo específicos en una suerte de "metabolismo espiritual." No hay, pues, un posmodernismo, sino tantos como queramos/necesitemos, con diferentes énfasis y medios y objetivos políticos, que actualmente se dan en Latino América y en Argentina, y es nuestra misión, como críticos y como artistas construir el/los que servirá/n a nuestros propósitos y a nuestra empresa. Los artistas argentinos contemporáneos y sus creaciones encarnan estos procesos en las obras presentadas en esta exhibición.

Materials and Methods / Materiales y métodos

The support: Made of canvas-covered wood, primed with inorganic mixes. I continue the trend of using a hard support, perhaps as a reference to the wall and its hardness, to that matrix where the paintings were generated, to a public site of resistance.

The tools: Brushes, hard, bristle brushes, knives, metal combs, cups, and palette, the basic tools of a painting studio. The tool has to be chosen and then transformed to fit the action, its mechanical effect becoming a trait, a mark. It makes itself; it grows as a continuation of the hand, functional, practical.

The materials: I search for the meager materials; I work on the greasy stuff; pigments with no iron mixes, titanium, minerals, the virgin wax, home-made varnishes. I build them, manufacture them, as an added pleasure to the painting action. To manipulate the materials, to make them to my liking, and to discern their inner functionings, are parts of my work.

The technique: Encaustics. Virgin wax and resin are bond together with fire, and fix the traces of the charcoal in the under-drawing. In its classical memory, this technique has several essential advantages, being one of them the final result, which always surprises us the morning after.

The drawing: As an action, as the information that delivers the mechanism of the unconscious. To draw by way of writing, activating the strength of the support’s surface.

The color: A reduced palette organized between the extremes of black and white, a red pigment, and one earth color. These substrata show up in cold and warm pinks; and only within a testimonial context, a medium yellow appears in transparent waves.

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El soporte: Es de madera entelada, cubierta con un aparejo sintético y cargas inorgánicas. Sigo la tendencia del soporte rígido, quizá como referencia de la pared, el muro. A esa matriz donde se generó la pintura y un lugar público de resistencia.

La herramienta: Pinceles, brochas de cerda, espátulas, peines metálicos, pocillos y paleta; equipo básico de taller. La herramienta tiene que ser elegida, transformada para la acción, su efecto mecánico se transforma en huella. Hacerse a sí misma: ser funcional, práctica, ser un alargamiento de la mano.

Los materiales: Busco lo magro, trabajando lo graso; pigmentos, sin tesis del hierro, titanio, minerales, la cera virgen, barnices de fabricación casera. Como un placer añadido a la acción de pintar, los construyo. Manipular los materiales, hacerlos a gusto de uno y descifrar su mecánica interior es parte del oficio.

La técnica: La encáustica. La cera virgen y la resina se funden con el fuego y fijan los trazos de carbón del bajodibujo. En su memoria clásica esta técnica guarda varias ventajas esenciales; una de ellas: su acabado, que siempre nos sorprende al día siguiente.

El dibujo: Como acción, como la información que desencadena los mecanismos inconscientes. Dibujar escribiendo, activando la fuerza de la superficie del soporte.

El color: Una paleta reducida, organizada en sus extremos con blancos y negros, un pigmento rojo y un tierra. Estos substratos se organizan en rosados fríos y calientes; y sólo dentro de un contexto testimonial aparece un amarillo mediano en transparencia.

Biography

1990 - present Professor of Pictorial Techniques and Materials. Facultad de Bellas Artes de Madrid

1989 Doctor in Fine Arts, Universidad Complutense de Madrid

1984-85 Bachelor in Fine Arts. Painting. Universidad Complutense de Madrid

SELECTED INDIVIDUAL EXHIBITIONS

1998 "El Buen Gobierno" Gallery. Granada, Spain

1997 Exhibitions Salon Junta Municipal Moncloa. Madrid, Spain

1995 Exibitions Salon "Reina Sofia" at the Universidad de Valladolid, Spain

1994 Fondo de Cultura Economica. Spain-Mexico

Argentine Airlines. Argentinean Embassy in Madrid, Spain

1992 Picasso Museum. Buitrago, Spain

International Federation of Musical Itinerant Youth. Wien, Belgium, Luxemburg, Paris

Exhibitions Salon "Patronato de Cultura Pozuelo de Alarcon." Madrid, Spain

1991 Iberia Gallery. Paris, France

1990 Exhibitions Salon "Junta Municipal Chamartin." Madrid, Spain

1989 Alcobendas Popular University, Madrid, Spain

1988 Exhibitions Salon "La Jaramilla" Center. Coslada, Spain

Griffe Gallery. Belgium

Navarrete Art Center "El Mudo." Logrono, Spain

1987 Casa de Cultura, Cuenca, Spain

Art Center "Genaro Poza." Huesca, Spain

Exhibitions Salon "El Brocense." Caceres Contemporary Art Museum

1986 Salon "Casa del Reloj." Madrid, Spain

Exhibitions Salon of the "Casa de la Cultura." Vitoria, Spain.

1985 Galery "Arte al Dia." Paris, France

1984 Galeria Novart. Madrid, Spain

SELECTED GROUP EXHIBITIONS

1996 Exhibitions Salon Junta Municipal de Chamberi. Spain

1994 Asociacion Agregados Culturales de Iberoamerica. Casa de Brasil. Madrid, Spain

1993 Consejo Deliberante de Buenos Aires. Argentina

Alfama Gallery. Madrid, Spain

Sala de Exposiciones Facultad de Bellas Artes. Madrid, Spain

Lavapies Exhibitions Center. Madrid, Spain

1987 Dialogo Gallery. "Pintores Argentinos Contemporaneos." Madrid, Spain

1986 Tres Pintores de Madrid. "Nicolas Salmeron." Madrid, Spain

Caja Rural de Toledo. Spain

Museo de Dibujo Sabaniganigo. Aragon, Spain

1985 Circulo de Bellas Artes. Madrid, Spain

Alava Musum of Modern Art. Alava, Spain

Bellas Artes de Madrid. Grupo Fragua. Madrid, Spain

1984 First Salon of Young Painting of Madrid. Spain

Exhibitions Salon "Nicolas Salmeron." Madrid, Spain

COLLECTIONS IN MUSEUMS AND PUBLIC INSTITUTIONS

Museo del Dibujo Sabinanigo. Aragon, Spain

Museo Arte Contemporaneo. Caceres, Spain

Museo de la Caja de Aragon y El Rioja. Aragon, Spain

Centro de Arte Navarrete "El Mundo." Logrono, Spain

Real Academia de San Fernando. Madrid, Spain

Universidad Popular de Alcobendas. Madrid, Spain

Argentinean Embassy. Madrid, Spain

Fondo de Cultura Economica. Mexico

Federacion Internacional de Juventudes Musicales. Wien, Austria

Instituto de Cooperacion Iberoamericano. Madrid, Spain

Spanish Embassy. Paris, France

Exploring Limits / Explorando límites

Even though the main nucleus of my work is painting, in the last ten years the production strategies I have used have been oriented toward different forms of expression: installations, ambientations, photography, actions and digital photo-performances, are some of the territories my work has explored.

Painting as a direct expression constitutes for me, even today, the most immediate medium to transpose emotions and sensations about lived experiences with intensity since, in painting, the connection desire-gesture-material reduces to zero the manipulation of the image. However, far from rejecting the mediations the "techno-culture" offers, I have incorporated, following my needs, other possibilities, such as the figural actions and the digital photo-performance.

Given all this, a slow pace and an increasing difficulty became factors to be taken into account and respected at the time of the execution of the works. A wide range of elements and experiences tangential to the artistic language were visited in the different media used, in order to recognize, explore and push, on one hand the limits of that which is contingent and ephemeral; on the other, that which the will of form tends to try to maintain as permanent, fusing or challenging borders and limits between genres and languages in order to always maintain the possibility of a meaning and a latent sense behind the processes and materializations, in images that are grave, erotic, warm and sensuous, austere or simply brutal.

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Si bien el núcleo central del trabajo es la pintura, en los últimos diez años las estrategias productivas estaban orientadas hacia diferentes formas de expresión: instalaciones, objetos ambientados, fotografías, acciones y fotoperformances digitales, que son algunos de los territorios incursionados.

La pintura de expresión directa constituye para mí, aún hoy, el medio más inmediato de transposición de emociones y sensaciones de lo vivido con intensidad, ya que en ella, la conexión deseo-gesto-materia, reduce la manipulación de la imagen a cero. Sin embargo, lejos de rechazar las mediaciones que la ‘tecnocultura’ ofrece, incorporé al ritmo de mis necesidades otras posibilidades como las acciones figurales y la fotoperformance digital.

La figura, o mejor, ‘lo figural’ (que no es necesariamente lo figurativo), es el sostén inevitable de la cadena significante de un cuerpo que se pretende lenguaje vital y se materializa en los recorridos y la temporalidad de los trazos, los signos, los gestos, las incisiones y las huellas fragmentadas o no de las propias intervenciones dentro del plano. Eran el proceso por el cual, se daba inicio a una suerte de Figuración Embrionaria, para una imagen actual de la figura humana, esencialmente, en estado de gestación permanente. Esto creó el conflicto de mantenerse en algo que no es la forma terminada, concluída, y cerrada, y que al mismo tiempo, me solicitaba el extremo esfuerzo de mantener un equilibrio entre la forma posible de aprehensión y el contenido. De allí las paradojas, las contradicciones y las sucesivas alteraciones de la unidad formal de los trabajos, que no deben considerarse fruto de las deconstrucciones de los 80s y de mi experiencia y participación en la Joven Neo-Vanguardia en Europa del Norte (1985-1991), sino como simples dudas y signos de interrogación acerca de las formas de expresión.

Por todo esto, la dificultad y la lentitud se convirtieron en algo sólido y respetable a la hora del hacer. Un amplio espectro de elementos y vivencias tangenciales al lenguaje artístico fueron visitados en los diferentes medios que se han empleado, para reconocer, explorar y empujar, de un lado, los límites de aquéllo contingente y efímero; de otro, lo que la voluntad de forma tiende a hacer permanecer, fusionando o cuestionando bordes y delimitaciones entre géneros y lenguajes, para mantener siempre la posibilidad de un significado y un sentido latentes por detrás de los procesos y materializaciones en imágenes graves, eróticas, cálidas y sensuales, austeras o simplemente brutales.

1998 Creates and directs with Ana Kobelt, the Centro de Artes Visuales y Multimedia UND-KULTUR of the Ciudad de Buenos Aires.

1995 Creates the Fundación Arte Actual.

1994 Invitation to reside at the VCCA (Virginia Center for the Creative Arts); travels in the U.S..

1991 Designated as Professor of Painting I and III, and of Design I, at the Escuela Nacional de Bellas Artes, from the Instituto Universitario Nacional del Arte de Buenos Aires. Creates the STUDIO GC de Artes Visuales y Multimedia.

1988 Participates in the creation of the Visual Arts Studio Theo Van Gogh for handicapped and disabled people at the Neuropsychiatric Hospital Vincent Van Gogh, Charleroi, Belgium.

1987 Emiel Veranneman begins to show his work at the Veranneman Fundation at Kruishoutem, Belgium. Creates and directs the Griffe Galerie d 'Art Actuel.

1985 Forms part of the Young Neo-Avant-Garde in Northern Europe, where he regularly exhibits his works of painting, installations, objects, and photo-performances.

1983 Wins a postgraduate scholarship in Visual Arts, CGRI, from the Belgium Government. Travels to Brussels, where he lived. Studies at the Atelier de Peinture et des Recherches Tridimensionnelles de l 'Ecole Nationale Supérieure d ' Architecture et des Arts Visuels, ENSAAV.

1982 Obtains his degree of National Professor of Painting and Drawing from the Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón" from Buenos Aires, Argentina.

1979 Travels to study in Spain with the artist Víctor Chacón-Ferrey. Studies at the Museo del Prado and at the Museo de Arte Moderno de Madrid.

SELECTED INDIVIDUAL EXHIBITIONS

1998 Figural Actions, Digital Photoperformances, America TV/Channel 2, Buenos Aires, Argentina

1997 Retrospective , 1975-1997. Paintings/Drawings/Photos/ works from Brussels / Paris / Amsterdam, Arte x Arte Gallery, Buenos Aires, Argentina (Auspices of the European Union)

1996 The Studio Kotz, Vienna, Austria

1995 Studio Black Hole, Buenos Aires, Argentina

1993 Beeckmann Fine Arts Gallery, Brussels, Belgium and London, U.K.

1991 Espace Privee, Buenos Aires, Argentina

1990 Paintings and Drawings from Belgium 1986-1989, Palais des Glaces, Buenos Aires, Argentina

1989 Griffe Galerie d’Art Actuel, Marchienne-au-Pont, Belgium

1987 Griffe Galerie d’Art Actuel, Marchienne-au-Pont, Belgium

1986 Schilderijententoonstelling. De Ruimte Theater, Antwerp, Belgium

1986-85 Edison Gallery, The Hague, The Netherlands

Museum Victor Horta, Brussels, Belgium

SELECTED GROUP EXHIBITIONS

1998 Arte BA, Buenos Aires Art Fair, ONU, Centro Municipal de Exposiciones, Argentina

1997 200 x 200 x 200, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina

Gran Teatro de La Habana, Cuba

Palacio Municipal, Montevideo, Uruguay

1996 The Sivori Museum of Art, Buenos Aires, Argentina

a e i u o, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina

Centro Cultural Aleman, Asuncion, Paraguay

1995 FIAC, Foire Internationale de l'Art Contemporain, Paris, France

The Veranneman Foundation, Kruishoutem, Belgium

1994 Lineart, International Art Fair, Ghent, Belgium

"Black January", Centro Cultural General San Martín, Buenos Aires, Argentina

1992 Museum of Fine Arts, Santa Fe, Argentina

Museum of Fine Arts, Santiago de Chile, Chile

1991 Biennial Chandon, Palais des Glaces, Buenos Aires, Argentina

1990 Forni Art Gallery, Brussels, Belgium

1989 Prix Europe, Oostende, Belgium

Contraste Sud, Bezirksamt Tiergarten, Berlin, West Germany

Stichting Veranneman,Kruishoutem, Belgium

The European Parliament, Strasbourg, France

Thirty or so years after Minimalism and Conceptual Art, I am interested on putting their legacy to use as tools to undertake an interrogation of the vocabulary of representation and abstraction in the context of a broader examination of the art object. Faced with Roland Barthes' dilemma of ideologize or poetize, I want to navigate the waters in between the two options by taking both a retinal, aesthetic-related perspective, and a conceptual one. Against the backdrop of Conceptual Art's proposal of replacing the object spatial and perceptual experience by linguistic definition alone, I would like to take a reverse path by playing with the linguistic object and with its parallel visual construction. Using the Borgean labyrinth as a point of reference, I am interested on examining this figure by building my own personal maze with a series of visual renderings that exploit semiotical parallels between the systems of language and of visual representation.

Two observations come to mind: Lacan's dictum that the unconscious has the structure of a language, and Wittgenstein's remarks that language has the functioning of a labyrinth, and that the limits of my world are the limits of my language. The opportunity of assailing the unconscious not through Surrealist automatism, but via a linguistic/visual reflection, has guided this series of visual inquiries.

Closely related to the labyrinth are the Argentinean writer Jorge Luis Borges' works that have inspired a myriad of literary and visual interpretations. In my images I take a closer (visual) look at the structure of some of his fictions by rendering in visual terms Borges' main verbal figure, that of the labyrinth. The series is built on an understanding of language's self-referential nature and paradoxes. The images reflect and emphasize the self-referential and incomplete nature of closed systems, be them linguistic or visual, calling attention to the ultimate failure of those systems to attain completion and consistency, and proclaiming in the process the ultimate undecidability of the systems themselves. Besides being an important literary prop, Borges' figure is also a mathematical representation of space, specifically, a topological space. The maze is but one of many topological figures, that provide a bridge between the abstractions of geometry and the abstractions of the visual arts, placing side by side two systems of representation in a sort of muted dialogue.

After taking the labyrinth as a point of reference, my images de-represent it, transforming it into something else. The ongoing series appears to be but a segment of a number of labyrinthical/networked shapes and can be read and interpreted in two different levels. On the one hand, each individual visual figure refers to the others in the series while, on the other hand, the grouping of the images calls to mind semiotic systems, such as those constructed in the (parallel) system of language. This two-level reading of the works makes possible to propose the existence of a third interpretation or reading, one that views the series itself as a closed system. This closed system forms what mathematicians would call a Strange Loop, topological spaces-like figures which in visual terms proclaim the ultimate undecidability of the system(s) it(them)self(ves).

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Alrededor de treinta años después del Minimalismo y del Arte Conceptual, me interesa utilizar su legado como instrumentos para interrogar el vocabulario de la representación y de la abstracción en el contexto de un examen más amplio del objeto de arte. Enfrentado con el dilema de Roland Barthes entre "ideologizar" o "poetizar", me interesa navegar las aguas entre ambas opciones, a partir de una perspectiva que sea a la vez retinal, estetizante en el fondo, y conceptual. Tomando la posición del arte conceptual de reemplazar el objeto espacial y la experiencia perceptiva por una definición solamente lingüística, me gustaría emprender un camino inverso, jugar con el objeto lingüístico y con su paralela construcción visual. Usando el laberinto borgeano como un punto de referencia, quiero examinar esta figura mediante la construcción de mi laberinto personal mediante una serie de representaciones visuales que explotan los paralelos semióticos entre los sistemas del lenguaje y de la representación visual.

Se me ocurren dos observaciones iniciales: la afirmación de Lacan de que el inconsciente tiene la estructura de un lenguaje, y el dicho de Wittgenstein de que el lenguaje funciona como un laberinto, y de que los límites de mi mundo son los de mi lenguaje. La oportunidad de examinar el inconsciente no a través del automatismo surrealista, sino mediante una reflexión lingüístico-visual, es la que ha guiado estas series de trabajos.

En estrecha relación con la figura del laberinto, se encuentra la obra del escritor argentino Jorge Luis Borges que han inspirado un sinfín de interpretaciones literarias y visuales. En mis imágenes examino de cerca la estructura de algunas de las ficciones del escritor argentino al representar visualmente la figura verbal de Borges, el laberinto. La serie de trabajos aquí presentada fue construida teniendo en cuenta la naturaleza auto-referencial del lenguaje, y sus paradojas. Las imágenes enfatizan, asimismo, la naturaleza incompleta y auto-referencial de los sistemas cerrados, sean estos lingüísticos o visuales, poniendo de relieve su imposibilidad de alcanzar una forma completa y coherente, y proclamando en este proceso, la indecidibilidad última de estos sistemas. Además de ser una figura literaria, el laberinto de Borges es asimismo, una representación matemática de espacios, más específicamente, de espacios topológicos. El laberinto es una figura topológica entre muchas, que proponen un puente entre las abstracciones de la geometría y las abstracciones de las artes visuales, poniendo lado a lado a dos sistemas representativos en una suerte de mudo diálogo.

Después de tomar el laberinto como punto de referencia, mis imágenes lo des-representan, y lo transforman en algo diferente. Las series que he venido desarrollando parecen ser segmentos de totalidades más amplias de formas laberínticas y de redes (networks), que pueden leerse e interpretarse al menos en dos niveles diferentes. Por un lado, cada imagen individual también (se) refiere a las demás de la serie mientras, que, por otro lado, los grupos de imágenes evocan sistemas semióticos, similares a los construidos en el sistema (paralelo) del lenguaje. Esta doble lectura de la obra abre la posibilidad a una tercera interpretación que toma a la serie misma como un sistema cerrado. Este sistema cerrado forma lo que en matemáticas se denomina un "Strange Loop", una figura de espacios cuasi-topológicos que, en términos visuales, proclama la última indecidibilidad del (de los) sistema/s en sí.

Biography

1998 Recipient, "James A. Huston Excellence in Scholarship Award." Lynchburg College.

1996-97 Professor of Painting. Lynchburg College.

Member. Virginia Commission for the Arts Area II Advisory Panel.

1993 Fellow Resident. Virginia Center for the Creative Arts. Residency in Painting.

1992 Fellow Resident. Virginia Center for the Creative Arts. Residency in Painting.

1990 Fellow. National Endowment for the Humanities (NEH) Summer Seminar for College Teachers. Structuralism After Post-Structuralism; Author, Text, and Context in Lorca, Dalí, and Buñuel. University of Virginia, Charlottesville, VA.

1987-89 Ph.D. in Latin American Literature. University of Pittsburgh, Pittsburgh, PA, USA.

Ph.D. Certificate in Cultural Studies. University of Pittsburgh, Pittsburgh, PA, USA.

1988 Andrew W. Mellon Pre-doctoral Fellow. University of Pittsburgh, Pittsburgh, PA.

Tinker Research Grant. Center for Latin American Studies. University of Pittsburgh.

1987 Cornell University Summer Fellowship.

1985-86 MA in Foreign Languages and Literature. West Virginia University, Morgantown, WV

MA in Fine Arts, Painting and Printmaking. West Virginia University, Morgantown, WV, .

1983-84 Post-Graduate Studies of Painting, Drawing, and Art History at the "Escuela Superior de Bellas

Artes Ernesto de la Cárcova." Buenos Aires, Argentina.

1977-83 Professor of Painting and Drawing. Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón."

Buenos Aires, Argentina. December 1983.

SELECTED INDIVIDUAL EXHIBITIONS

1997 "Small Works on Paper." Charlottesville City Hall. Charlottesville, VA

1996 "Painting to Yepes." Daura Gallery. Lynchburg College. Lynchburg, VA

1994 "Landscapes." McGuffey Art Center. Charlottesville, VA

1992 "Recent Works." Ralston Fine Art. Johnson City, TN

1991 "Shrines and Toros." McGuffey Art Center. Charlottesville, VA

Recent Work." Carson Street Gallery. Pittsburgh, PA

1990 "Marginalia." Anderson Gallery. Virginia Commonwealth University; Richmond, VA

1989 Metropol Members Club. Pittsburgh, PA

1986 Garo Art Gallery. Morgantown, WV

SELECTED GROUP EXHIBITIONS

1998 "Summer Solstice Show." Les Yeux Du Monde. Charlottesville, VA

Queensborough Community College of The City University of New York, NY

1997 "Summer Solstice Show." Les Yeux Du Monde. Charlottesville, VA.

Studio Jacqueline Rothschild. New York, NY

1996 "Homenaje a José Ferrari." Museo de Bellas Artes de Lujan. Lujan, Argentina.

"Viajes en la palabra y en la imagen." Museo de Arte Moderno "Eduardo Sívori." Buenos Aires, Argentina

"25 Years at the VCCA." Virginia Center for the Creative Arts. Sweet Briar, VA

"1996 Second Street Gala." Second Street Gallery. Charlottesville, VA

1994 Mosto & Rojas Oficina de Arte. Buenos Aires, Argentina

Vista Gallery. New York, NY

"After the Auction. Small Works on Paper" McGuffey Art Center. Charlottesville, VA

"69th Civic Art Show. Annual Georgia Morgan Memorial." Lynchburg Art Club.

1993 "Lynchburg Fine Arts Festival." Lynchburg, VA

"Arte emergente." Consejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Bs. Aires, Argentina

1992 "Christmas Show." McGuffey Art Center. Charlottesville, VA

"Art Ninety 2." Carroll Reece Museum. East Tennessee State Univ. Johnson City, TN

1991 "Painting Ninety-One." Arlington Arts Center. Annual Tri - State Juried Exhibition. Arlington, VA

"Six Latin American Artists." Undercroft Gallery. Pittsburgh, PA

1990 "Group Show." McGuffey Art Center. Charlottesville, VA

"Open Exhibition." Regional Multi-Media Juried Exhibition." Lynchburg Fine Arts Center.

Galería Van Riel. Buenos Aires, Argentina

1989 Galeria Cishmac. Mexico D.F. Mexico

Civilization and Barbarism / Civilización y Barbarie

"Ana Traversa hails from Patagonia, the Southern part of Argentina, yet she is a well-prepared and experienced sculptor and painter with a vast technical know-how, remarkable originality, and a variety of work that is far from the simple repetition of one formula. She studied at the National School of Fine Arts in Buenos Aires, Argentina, stone carving with Ramon Castejon, and foundry with Humberto Montes, design with Jose Ferrari, and sculpture with Juan Visconti. She has had several one person exhibitions in Buenos Aires and other cities in Argentina, in other countries, and in New York City. Ms. Traversa is a thinking artist of general culture, avoiding the purely intellectual construction as much as the mere playing with forms and colors. Everything she creates is the expression of a powerful intuition and also is meaningful in terms of a specific feeling—and might we say philosophy?—of life.

Whether she produces figurative sculpture, paintings or drawings, or abstract (actually, semi-abstract) paintings, hers is a very subtle art with various implications. Her work has come in series whose titles like "The Threat," "The Silence," The Mysteries," "Archaic Spaces," "Psychic Energy," are significant. Her sculpture uses a variety of materials: three kinds of marble, alabaster, Brazil stone, greystone, iron, pewter, lead, bronze.

While Picasso stated that he worked with tensions, Ana Traversa works with a trend toward the fluidity of constant change, toward fusions and harmonies. Colors are not sharply set against each other but evolve and inter-act in fascinating shadings. She explores ancient cultures without imitating them, seizing up the road, the drama, the urges and potentialities of Man and is convinced of art’s ability to enhance life and thus to educate and develop the human being. For this is an art which is sensitive to the mystery of silence, to isolation and menace but emphasizes permanent energy at the service of communication, the overcoming of antagonisms." (Peter Bloch, 1997)

"Civilization and Barbarism," says Traversa, is an installation not related to an idea, culture, or to one specific author, but to the relation that exists between both terms, their interaction and combination, as well as to the infinite possibilities we have of going back to ancient cultures, or to project ourselves to a mediate future. Civilization and Barbarism, both contrary but complementary, represent past and future fusing toward other iconographic two or three-dimensional spaces. Figuration and abstraction interact without apparent conflicts in a common denominator where the ethnic, cultural, and religious spaces, be them political or economic, is not decisive but is concentrated only in the manner in which the space and the work need to be communicated. Totems? Computerized bases? Past or present monuments? Figures with human codes? Forms graphicated in languages? Images connected with states close to death that do not exclude it? Where limits do not exist? Communication - , once the dogma is abolished, the essence of the sign remains. That which is real. Only the image of the real, rather than the real. Real space of the inner work.

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"Ana Traversa es originaria de Patagonia, en el sur de la Argentina; y ella es también una escultora y pintora preparada y con experiencia, con un vasto conocimiento de las técnicas, una originalidad digna de mención, y una variedad de trabajos que en nada son repeticiones de remanidas fórmulas. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, Argentina; talla de piedra con Ramón Castejón y fundición con Humberto Montes, composición con José Ferrari y escultura con Juan Visconti. Ha tenido varias muestras personales en Buenos Aires y en otras ciudades de Argentina, en otros países, y en New York. Traversa es una artista que piensa, de cultura general, que evita la construcción puramente intelectual, tanto como el mero juego con formas y colores. Todo lo que ella crea es la expresión de una poderosa intuición, que además es significante en términos de un sentimiento específico -hasta podríamos decir de una filosofía- de la vida.

Ya sea en la producción de esculturas figurativas, de pinturas o de dibujos, o de pinturas abstractas (o semi-abstractas), el de Traversa es un arte muy sutil con implicancias varias. Su trabajo se ha desarrollado en series cuyos títulos, tales como "La Amenaza," "El Silencio," "Los Misterios," "Espacios Arcaicos," "Energía Psíquica," son significativos. Su escultura utiliza una variedad de materiales: tres clases de mármoles, alabastro, piedra Brasil, piedra gris punilla, hierro, peltre, plomo y bronce.

Mientras que Picasso afirmó que él trabajaba con tensiones, Ana Traversa trabaja con una tendencia hacia la fluidez del cambio constante, hacia fusiones y harmonías. Sus colores no se enfrentan entre sí, sino que evolucionan e interactúan en matices fascinantes. Ella explora las culturas antiguas sin imitarlas, midiendo el camino a recorrer, el drama, las urgencias y potencialidades del Hombre y está convencida de la habilidad del arte para mejorar la vida, y de esta manera, para educar y desarrollar al Ser Humano. Este es, pues, un arte sensible al misterio del silencio, al aislamiento y a la amenaza pero que enfatiza la energía permanente al servicio de la comunicación, la superación de los antagonismos." (Peter Bloch, 1997)

Biography

1997 Asian/American Society Symposium, The Jane Voorhees Zimmerli Art Museum

1996 Metropolitan Museum of Art,Program for Teachers

1995 Metropolitan Museum of Art. "From Images to Myths and Beliefs," Prof. Luis Vergara,

Metropolitan Museum of Art. Program for Teachers.

1994 Pratt Institute School of Art and Design,Metalworking. New York

1988-91 Sculpture Degree,National School of Fine Arts "Prilidiano Pueyrredon", Buenos Aires, Argentina

1984 Lessons on Etching, National Museum of Fine Arts, Buenos Aires, Argentina

1984 Lessons on Dada y surrealism, National Museum of Fine Arts, Buenos Aires, Argentina

1983-87 Fine Arts Degree,National School of Fine Arts "Manuel Belgrano",Buenos Aires, Argentina

1983-87 Foundry, direct carving, transference into metal,polyester, acrylics, cement,

Ramon Castejon Workshop, Buenos Aires, Argentina

1983 Vilma Villaverde Workshop, ceramics, enamel, glass, Buenos Aires, Argentina

1982 Patricia Secgrist Workshop, ceramics, enamel, Buenos Aires, Argentina

1981 Teodolina Garcia Cabo Workshop, ceramics, enamel, Buenos Aires, Argentina

1981 Rafael Marifn Workshop, ceramics & vision, Bahia Blanca - Buenos Aires, Argentina

1979 Ofelia Rodriquez Workshop Bahia Blanca, Buenos Aires, Argentina

1978 Francisco de Sales College Viedma-Rio Negro, Argentina

1977-78 Superior Institute for Teacher's Formation No. 25, National Education Degree

Patagones, Buenos Aires, Argentina

1976 Francisco de Sales College, Viedma-Rio Negro, Argentina

1972-73 La Rueda Workshop, Viedma-Rio Negro, Argentina

1969-77 City Hall Center of the Culture, Fine Arts, Art History, Viedma Rio Negro, Argentina

SELECTED INDIVIDUAL EXHIBITIONS

1998 Elizabeth 268 Space, New York

1995 Museo de la Cultura Maya, Chetumal, Mexico

Cultural Center of the city of Puerto Varas, Chile

Museo del Fuerte de San Felipe, Bacalar, Mexico

Museo de la Guerra de las Castas, Tihosuco, Mexico

Federal Building, Brooklyn, New York

Soto Galicia Latin American Art, New York

1994 Federal Building. Food and Drug Administration. Brooklyn, New York

1988 "Bernardino Rivadavia" Cultural Hall, La Plata-Buenos Aires, Argentina

The Royal Bank of Canada, Buenos Aires, Argentina

1987 Humahuaca Province Hotel Jujuy, Argentina

1985 Italian Argentina Cultural Center, Luigi Pirandello

1984 City Hall Cultural Center, Viedm Rio Negro, Argentina

Dardo Rocha St, La Plata, Buenos Aires, Argentina

1983 Dominican Republic Embassy, Buenos Aires, Argentina

SELECTED GROUP EXHIBITIONS

1999 Soolip Gallery, Los Angeles, California

1998 Scott Pfaffman Gallery, New York

Peculiar Works Project, Big Art in Small Places, New York (in association with Charas, Lincoln Center Theater Directors' Lab, and Downtown Arts Festival)

"Civilization and Barbarie," Installation

Golden Anniversary of The Joe & Emily Lowe Art Gallery at Hudson Guild, New York

1997 Franziska Pia Gallery, Switzerland

Kentler Drawing Space, Brooklyn, New York

1996 Wirtz Gallery, Miami, Florida

1995 Art Initiatives, Salon 1995 / "Maximum Capacity," New York

Gallery Camino Real, Cancun, Mexico

1994 Brooklyn 11205 Art, New York

The Roger Smith Gallery, New York